「Funky Tacker」「Breakthru」「Great Wall」配信開始
本日9/13よりサブスク・DL一斉配信開始です。
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タグ: オーケストラ
貴重なインタビューご紹介
何かの用で検索していたら、「13歳からのハローワーク」というサイトに冨田勲さんのインタビューが載っているのを発見。このサイト自体、もちろん怪しいものではなく、村上龍さんの同名書籍にヒントを得て、ご本人公認で運営されている、学生向けの職業探求（啓蒙）サイトらしいです。
そういう系統の場所なので、作曲家とはどういう職業なのかを体験談をまじえて述べておられるようで、貴重なインタビューといえそう。結構長めですがスラスラ読めるので、皆様も是非。
著名人インタビュー この人に聞きたい！
冨田勲さん［音楽家］
https://www.13hw.com/interview/07_01.html
他にも色々な著名人がインタビューされているのですが、作曲家としてはもうお一人、三枝成彰さんも答えておられます。実は冨田勲さんとは正反対のことを述べておられる箇所もあるのですが、これは深慮があって、どちらも本当だと思えます。
著名人インタビュー この人に聞きたい！
三枝成彰さん［作曲家］
https://www.13hw.com/interview/19_01.html
いずれにしても他では読めない、かなりざっくばらんで本音の話、読み応えあります。特に業界関係者の皆様は読まれた方が良いと思います。
迫力のサンダーバード・マーチ
「謎の円盤UFO」のテーマを演奏する海外市民オケのイマイチな動画を見ていたら、「サンダーバード」のテーマを演奏する日本の市民オケの完璧な動画が出てきた。
広上淳一指揮 東京ガーデン・オーケストラ / サンダーバード・マーチ
https://youtu.be/BZ6vLfgCVAU
フルオケじゃなくてチャンバーオーストラなので、人数が少ない分フレージングがキビキビしていてリズミカルで素晴らしいと思えます。特筆すべきは向かって左の方を見てもらうとわかるけと、大きな図体の楽器が2台並んでいますが、これグランドハープなんですね。（普通はフルオケでも1台）これでツインでグリッサンド（シャラララ……ってやつね）をやってますが凄い迫力！ ちょっと編成を変更するだけで非常に効果的になった例といえそう。
この動画、固定アングルなので、楽曲のどの位置でどの楽器が鳴っているか一目瞭然で、オーケストレーションの参考にもなります。例えば音楽マニアが見ても面白いと思います。
こうしてみると、やはりオーケストラは全体で一個の楽器にみえますね、少なくとも作曲家からは。昔は電気・電子楽器やPAもなかったし、大きな会場である程度のボリュームの音楽を演奏させたかったら、オーケストラに頼るしかなかった。そんな中で音響的にも優れた楽器編成が先人たちによって練られていったのだと思います。
デモ曲追加・オーケストラルPOPS
ここでまたデモ曲追加です。声楽っぽいフルオケPOPSというか、小組曲みたいな構成の曲を書いてみました。流石にこういうのは商業配信には向かない（？）。
「サーカステントの夢」
歌は佐藤元美さんというソプラノ歌手の方にお願いしました。かなりの経歴の方ですが、それ以上に本物の表現力をお持ちです。
オーケストラ曲のミックスの気付き
今回は極意……というものではありませんが、フルオケ曲を書いていた時の気付き。
結局打ち込みオケ曲も最終的に楽曲データとして完成させるには、ミックス作業が必要になってきます。生オケだってミックスが要るんだから、まあ当然といえば当然（あれはステレオマイク１本で録ってるわけではない→この話はまた今度）。
とはいえ、さすがに作りこまれた最近のオケ音源であれば、EQ処理はほぼ要らないと思っていいでしょう。するとしても微調整で、バンド曲のようにエレキギターの低域バッサリとか、あんな乱暴な処理は要らないはず。
では何かというと、ミックスの基本中の基本、各トラック（楽器）の音量調整と、定位（パン）の調整ですね。これが実際は意外に難しい。とはいえ、弦のパート5本は、最初からパンが振ってある（＋ステレオ幅調整済）ことが多いようです。
あとのパートは、振ってあったりそうでなかったり。このあたりは音源によって違ってくるので、オケの楽器配置を睨みつつ、慎重にパンとステレオ幅を決めていくしかない。（アナライザーと、そして最後は自分の耳で） 一旦決めてしまえば楽なので、あとはその設定を他の曲に流用していけば良いのです。
さてここからが今回の「気付き」なのですが、もう一つ忘れてはいけないのがリバーブ（残響）の処理ですね。当然、ステージで奥の方にある楽器ほど「遠く」にあるわけで、理屈ではリバーブを深くかけないといけないのですが。ここで落とし穴。音源の内蔵リバーブを切っても、実はあれって「デッド」な音にもアンビエンスが入っているんですね、実際にホールでサンプリングしたりしているから。
だから、音源によっては、もうちゃんと音の「遠近」がついていたりします。それで、奥の方の楽器（たとえばクラリネットとか）に深めのリバーブをかけてしまうと、お風呂場か！ってくらいのワンワンした残響が付いてしまうのです。こりゃあかんて。
リバーブの音量は全部一緒か、それとも微調整くらいで良かったというオチ。もちろん音源によって違うので、結局最後は自分の耳で判断するしかないんですわ。流石にこんなところまでは音源のマニュアルに書いてないから、普通は。
（収録マイクポジションで分けている音源もあるが）
どうですか。フルオケ曲ならノーミキシングでいいかと思うとさにあらず。却ってアナライザーより自分の耳で判断しつつミックスしないといけないという、より難しい処理を迫られるってオチ。まあエフェクター類やコンプは出てこないので、そこは楽ですが……。
（同じ理由で、オケ音源に他の音源、例えばソロバイオリンなんかを持ってきたときも、アンビエンスやマイクポジの処理が全然違っているので、リバーブ処理等も気をつけないとチグハグになります。ボーカルを加える時も同じ）
Spitfire Solo Violinは結構アレな製品
ちょっと前「バイオリンのミックス処理」という記事を書いたが、あれからハマりにハマってようやく完成形まで持ってこれた。（というのが先日upした曲）
で、使用した「Spitfire Solo Violin」ですが、これはアンビエンスまでしっかり含んだ（録音した）音源になっていて、どうやらあくまでフルオケの曲でバイオリンソロの時に使ってね、という位置付けの製品のようだ。アナライザーで見ると、定位もアンビエンスも、まさにオケをバックにソリストが立つ位置で録音されている。一種の時短音源だなこりゃ。
たとえクラシックでも弦楽四重奏なんかでは全く使えないと思うので、その意味ではフルオケ曲専用って書いておいて欲しかった。
ご想像通り、そのままではバンドサウンドなんかには全く馴染みませんねえ（ｗ）。
前述の通り、アンビエンスを全切りするとかなり音の細いモノラル音になってしまうので、それでバンドに入れると（他の楽器は大抵ステレオ収録だし）浮いてしまう。かといってわずかにアンビエンスを入れただけで（一応ステレオ信号になる）、背景に大ホールが見えてしまう（笑）。バンドの中で一人だけホールしょってたら、そりゃ変だよね。
で、色々やってみたのですが、解決法だけ書きます。アンビエンスを全切り（ドライ）して、コンプ2段掛けで潰して、最後にAIR Stereo Width（モノ信号をステレオに変換するプラグイン、多分類似品OK）をかまします。これでバンドサウンドにいれてもなんとか違和感になく馴染みました。
ということで、「Spitfire Solo Violin」は、ちょっと癖のある音源といえそうです、検討中の方はご注意あれ。
（なんか、よく読むとソロ弦バンドルの中から、更にバラ売りしているパッチみたい。ケチ臭いことせずに、ステレオパッチもユーザーに公開しろ～！ ←こんなことで文句言ってるとクレーマーみたいで怖いか）
神童モーツァルトの真実？
ラジオで聞いたモーツァルトの面白い話。幼い頃から神童として各国で知られていたのは、父親が幼い姉とともに演奏旅行でヨーロッパ中を連れまわしたからなのですね。モーツァルトの生まれた宗教国家ザルツブルグは、現在のドイツのあたりで（まだ統一ドイツはない）、それでも周辺で一番強力な国だった。そして宗教国家（カトリック）の方針として、神童＝神の奇跡であり、それは広く世界に示されなければならない、という使命があったらしく、それで旅の許可が出ていた。
この演奏旅行というのが、実は半分くらいは見世物興行といって良いものだったらしく（ｗ）、幼い姉弟に目隠しして楽器を弾かせたり、初見の楽譜を一瞬だけ見せて演奏させたりと、ちょっと大道芸に近いものでもあった。モーツァルトの姉も実は大変な才能だったが、むろん当時は女性が作曲家になるなど考えられなかったから、ある時期からは花嫁修業に専念したらしい。
父親というのがなかなか山師的だったというべきか、子供の才能を利用して隙あらばどこか有力な国で仕官の道を探ったりということもあった。
無論それだけではなく、モーツァルトを各地の有力音楽家に会わせ、あるいは学ばせて、どんどん音楽家としての力に磨きを掛けていった。一種の留学としての意味もあった、とのこと。
この演奏旅行、当時は馬車での長時間移動でずいぶんハードな生活だったらしいけど、それでも姉弟はそれに耐えてやりきった。
だから、モーツァルトが天才だったのは事実だけど、こうした父親のスパルタ英才教育もあって才能を開花させていった、ということらしい。（幼い頃から人前で演奏していたら、今でいうストリートライブ出身みたいなもんで、度胸や勘が自然とついたでしょう）
で、8歳で交響曲を書く、という驚くべきことを成し遂げているわけですね。
それにしても（その後を見ても）、名声の割りになかなか楽な人生とは言い難いようです。生まれてから死ぬまで同じ街を出なかったバッハが、当時の偉人としては一番幸せだったかもしれません。
バイオリンのミックス処理
……といっても例によってサンプリング音源なのですが、今の音源は超リアル志向で、扱いにくいものは扱いにくいままで音源化されている物が多いから、生収録と同じミックス処理をしないと、ちゃんと普通に楽曲の中で使われているようには聞こえないんですね。（まあ多少はプリプロセスしてあるが）
で、バイオリンですよ。とにかくそのままだと音が細いわ、アタックが揃いづらいわ、掠れ・ヨレなんかも含まれているわで、散々だよ（ｗ）。Spitfire AudioのSolo Violinだけど。余程酷い製品なのか？デモ曲と違う！……と思ったが、レビューやユーザーデモを聞いてみるとそうでもないから、使い方やミックスが悪いのだと悟った。うーん、とりあえずこれはポピュラー音楽用というより、どうやらクラシック・劇伴向けの製品のようだ。
とりあえず定位がなぜか左に寄っているのと（たぶんこのままアンビエンス込みで、フルオケで弾いてる感じになるからだろう）、クローズ（接近）100%にするとモノになるので、そのあたりで処理が必要。これをバンドサウンドの中に組み入れるにはどうしたらいいか。
どうもコンプを2段掛け位で抑揚をペタンと潰さないと、みんながイメージするバイオリンの音にならないことが解った。しかもこいつは結構強めにアタックが出せるんですね、ベロシティで。なので気をつけないと「コンプ圧縮丸出し」の音にもなりがち。
サンプルの品質はまあまあだけど、こういう処理がやっかいで。まだ試行錯誤の途中。バイオリン複数台＝ストリングスならともかく、ソロバイオリンはまた非常にやっかいな代物だと判明しました。（他の製品だとそんなことないのかなぁ？）
オーケストラ音源に入っているソロバイオリンはわりと扱いやすいが、そのままソロで聞かせるのはやはりキツイ（大抵オマケレベルなので）。
普段あまりアレンジで使わない楽器は、こういった地道な研究が必要ですね。そういう仕事が来たら困っちゃうもんな。
「Eベースは偉大な発明」説
現代の音楽制作環境は、パソコン上でソフトシンセだけでなく、サンプリングでの生楽器も縦横無尽に使えるわけですが（それも極限までリアルなものが多い）、こうなると理論上は古今東西のどんな楽器でも組み合わせて曲が作れるわけです。オーケストラをバックに三味線が演奏してもいいし、ラテンパーカッションとカリンバとシタールが共演しても良い。とはいえ前衛音楽でなく、一応人様に聞いて貰ってナンボの商業音楽なら自ずから制限もあるわけですが、どんな編成にするにせよ、意外と選択の幅がない部分があります。制作やっている方はもうお気づきでしょうが、それは（楽器でなくパートとしての）ベース。
普通の音楽（機能和声を主体にした西洋音楽）だったら、ベースはとても重要なパートですね。コードのルートを決める部分であるし（ここがしっかりしてないとコードが正しく響かない）、大半のポピュラー音楽にとっては、ドラムスと一体となって楽曲のグルーブ感を司るパートでもあります。普通のミックスでは意外と聞こえづらいことが多いのですが、とはいえ重要度は高い。ご存知の通り、ここで使われるのはほとんどの場合エレキベースなのです。
実は、低音にも関わらず音がクリアで（ブーミーでもなく）、しっかりダイナミクスが付けられ、細かいグルーブ感も自在に出せるという低音楽器は、案外ないのですね。
鍵盤ならピアノ、オルガン、エレピ、どれも違うし（各々他の仕事あるし）、可能性があるならクラビネットか。あとキーボードならシンセベースくらい。
金管楽器ならチューバ、ユーフォニウムなど、ただ音がブーミーで独特なのでハマる曲が限られてくる。
木管ならベースクラリネットかファゴット、これも独特で汎用性は低い（音量も出ません）。
弦楽器ならウッドベース、これもジャズならともかく、色々な制限がある。（ミックス処理も必須） 弓弾きならまた曲が限られてくる。
いかがですか？ こうしてみると、意外と汎用的に使える低音楽器というのはEベースしかないんですよ。エフェクターにも通せるし、アンプに繋いでもダイレクトでも良い。クラシック以外どんな分野でも使えるスーパーワイドルカードという感じ。（ジャズでも使われる、代表例ジャコを思い出せｗ）。チョッパー（スラップ）という強力な奏法もあるしね。
ミックス的にも、一般に低音楽器は録音や処理が難しく、ライン録りできるEベースは非常に楽ということもいえる。もちろんこれはPAでも同じ。
逆に、Eベースが無かった時代はどうやってバンド演奏等でベースを鳴らしていたんだろうと不思議になる。ディキシーランドジャズの時代はチューバだったり、モダンジャズも最初期はウッドベースを弓弾きしていたと聞いた。
あとはピアニストがベース音を鳴らしたり……という方法でしょうか。（オルガンなら足鍵盤がありますね）
バンドアンサンブルにとってEベースはEギターと並んで、いやもしかしてそれ以上の大発明だったかもしれません。……という話でした。
（オーケストラだと、コントラバスとチェロをオクターブユニゾンで鳴らしたりして、意外とベースパートの安定化・音量稼ぎには苦労することがある。そこもEベースなら問題ない）
ミックスの極意（2）
チャンバーオーケストラ（フルオケより小人数、バロック音楽あたりの時代はこの編成だったそう）のデモ曲をミックスしていて気付いたこと。当たり前かもしれませんが、楽器の配置が違っているんですね。
もともとフルオケの楽器の配置も、調べてみると昔はそんなに厳密には決まってなかったらしいが、ある時今のような配置にすると音響的にとても良いとわかり、それが広まったとのこと。（弦でいえば、客席からみて左から右へ順に第1バイオリン、第2バイオリン、ビオラ、チェロ、コントラバスと半分に切った扇のような形態で並ぶ）
これをそのまんま小人数化したのがチャンバーと思っていたが、調べたら全然違っていた。
第1バイオリンが左前列にズラッ、第2バイオリンが右前列にズラッ、そしてビオラ以下はどこに配置するかはそんなに厳密には決まってないらしい（ｗ）。今回は写真があったオケに合わせてイメージしてたが……。金菅、木管、パーカッション等はもっとはっきりしない（資料や写真ごとに違っていたり、わからない楽器もある→多分定石なし）。
フルオケ＝100人、チャンバー＝30人なので、音響的にも最適解が違ってくるのでしょうね。そしてバロック時代の配置資料はほとんどないと思われる。
なんでオケの配置がミックスに関係してくるかというと、それはもちろん楽器の定位（パン）決めに直接影響するからです。面白いもので、打ち込みのオケでも、というかだからこそ、ちゃんと実際に即した定位にするとリアリティが段違いです。人間の耳はほんとに優秀で、不自然な配置だとすぐ違和感を覚えますので。普段そんなところは聞いてないようで聞いてるんですね（リバーブの分量もそう、奥にいくほど深くする）。
で、まあ第1・第2バイオリンの配置を資料の通りに左右に振ったら、これが驚くべき左右泣き別れ状態（最初期のステレオ音源みたい）、どうも変だと元に戻したら自然に混ざった。そう、最初から定位を振った状態で収録された音源（パッチ）だったのです（ｗ）。まあクラシック系のオケ音源ではよくある話なのですが、チャンバーのやつはアナライザでみるとアンビエンスもたくさん入っていて、いかにも振ってないように見えたのよ（人数少ないから相対的に反射音が大きくみえる）。
結局、最後はアナライザーより自分の耳を信じろって話ですわ。
（話を簡単にするために定位って書いたが、むろんイメージャーで振ってますよ、モノラル音源じゃないんだから。ステレオ幅の設定も大切）
あと、単品の楽器のパッチ（例トランペット）とかもステレオ収録なんだけど、イメージャーで幅を絞るかモノにしないと、トランペット奏者だけ「目の前」に来て吹いている状態になってしまう。そんなオーケストラはいやだ！（笑）
いかにリアリティを“作る”かっていう話になってくるんですね、最後は。これは実は打ち込み音源だけでなく、本物のオケの収録でも同じ。多数のマイクで収録するわけで、それをミキシングの段階で整理しないとオケの音にならないので。意外ですけどね。